Музыка

Основное

Музыка (Music) — это форма искусства и культурной деятельности, в которой используются различные виды звуков. Общие определения музыки включают в себя элементы, такие как высота тона, которая управляет мелодией и гармонией; ритм и связанные с ним темп, размер и артикуляция; динамика - громкость и мягкость, и звуковые качества тембра и текстуры, которые иногда называют "цветом" музыкального звука.
Музыка исполняется с широким спектром инструментов и вокальных техник, начиная от пения и заканчивая рэпом (речетативом); есть инструментальные произведения, вокальные произведения (такие как песни без инструментального сопровождения) и произведения сочетающие пение и инструменты.
В общем виде эта деятельность, описывающая музыку как вид искусства или культурную деятельность, включает в себя создание музыкальных произведений (песен, мелодий, симфоний и т. д.), критику музыки, изучение истории музыки и эстетическую экспертизу музыки. Древнегреческие и индийские философы определяли музыку как звуки, упорядоченные по горизонтали как мелодии и по вертикали как гармонии.
Создание, исполнение, значение и даже определение музыки варьируются в зависимости от культуры и социального контекста. Действительно, на протяжении всей истории некоторые новые формы или стили музыки подвергались критике как "не музыка", в том числе Бетховенский струнный квартет "Grosse Fuge" в 1825 году, ранний джаз в начале 1900-х годов и хардкор-панк в 1980-х годах. Существует много видов музыки, в том числе популярная музыка, традиционная музыка, художественная музыка, музыка, написанная для религиозных церемоний и рабочих песен, таких как chanteys. Музыка варьируется от строго организованных композиций, таких как классические музыкальные симфонии 1700-х и 1800-х годов, до спонтанно исполняемой импровизационной музыки, такой как джаз, и авангардных стилей случайной современной музыки 20-го и 21-го веков.
Музыка может быть разделена на жанры (например: кантри или транс), а жанры могут быть разделены на поджанры и стили (например: кантри-блюз или прогрессивный транс), хотя разделительные линии и отношения между музыкальными жанрами часто тонкие, иногда открытые для личной интерпретации, а иногда спорные. Например, трудно провести границу между хард-роком начала 1980-х и хэви-металлом.
Во многих культурах музыка является важной частью образа жизни людей, поскольку она играет ключевую роль в религиозных ритуалах, церемониях посвящения (например: выпускной и бракосочетание), общественной деятельности (например: танцы, концерты) и культурной деятельности, начиная от любительского караоке-пения до игры в любительском фанк-оркестре или пения в общественном хоре. Люди могут заниматься музыкой в качестве хобби или работать как профессиональный музыкант или певец. Музыкальная индустрия включает в себя людей, которые создают новые песни и музыкальные произведения (такие как авторы песен и композиторы), которые исполняют музыку (которые включают оркестр, джаз-бэнд и рок-группу музыкантов, певцов и дирижеров), людей, которые записывают музыку (музыкальные продюсеры и звукорежиссеры), которые организуют концертные туры и людей, которые продают записи, ноты и многое другое клиентам.

Музыка как вид искусства

Музыка сочиняется и исполняется для многих целей, начиная от эстетического удовольствия, религиозных или церемониальных целей или в качестве развлекательного продукта для рынка. Когда музыка была доступна только через партитуры, например, в классическую и романтическую эпохи, любители музыки покупали ноты своих любимых произведений и песен, чтобы они могли исполнять их дома на фортепиано. С появлением звукозаписи, записи популярных песен, а не ноты стали доминирующим способом, которым любители музыки будут наслаждаться своими любимыми песнями. С появлением домашних магнитофонов в 1980-х и цифровой музыки в 1990-х, любители музыки могли делать кассеты или списки воспроизведения своих любимых песен и брать их с собой на портативном кассетном проигрывателе или MP3-плеере.
Музыканты-любители могут сочинять или исполнять музыку для собственного удовольствия и получать за это денежный доход. Профессиональные музыканты работают в различных учреждениях и организациях, в том числе в Вооруженных силах (в маршевых оркестрах, концертных группах и популярных музыкальных группах), церквях и синагогах, симфонических оркестрах, компаниях радиовещания или кинопроизводства, музыкальных школах. Профессиональные музыканты иногда работают как фрилансеры или сессионные музыканты, ища контракты и деятельность в различных направлениях.
Часто проводится различие между музыкой, исполняемой для живой аудитории, и музыкой, исполняемой в студии, чтобы ее можно было записать и распространить через систему розничной продажи музыки или систему вещания. Однако есть также много случаев, когда живое выступление перед аудиторией также записывается и распространяется. Записи живых концертов популярны как в классической музыке, так и в популярных музыкальных формах, таких как рок, где нелегально записанные живые концерты ценятся любителями музыки. В сцене джем-бэнда живые импровизированные джем-сесии предпочтительнее студийных записей.

Элементы и аспект музыки

Музыка имеет много различных основ или элементов. В зависимости от используемого определения элемента они могут включать: высоту тона, ритм или пульс, темп, ритм, мелодию, гармонию, текстуру, стиль, распределение голосов, тембр или цвет, динамику, экспрессию, артикуляцию, форму и структуру. Элементы музыки занимают видное место в музыкальных учебных программах Австралии, Великобритании и США. Все три учебных плана идентифицируют высоту тона, динамику, тембр и текстуру как элементы, но другие идентифицированные элементы музыки далеко не универсальны.
Ниже приведен список из трех официальных версий "элементов музыки":
Австралия: высота тона, тембр, текстура, динамика и экспрессия, ритм, форма и структура.
Великобритания: высота тона, тембр, текстура, динамика, длительность, темп, структура.
США: высота тона, тембр, текстура, динамика, ритм, форма, гармония, стиль или артикуляция.
Что касается учебных программ Великобритании, то в 2013 году в их перечень элементов был добавлен термин: "соответствующие музыкальные обозначения", а название списка было изменено с "элементы музыки" на "взаимосвязанные измерения музыки". Взаимосвязанные измерения музыки перечислены как: высота тона, длительность, динамика, темп, тембр, текстура, структура и соответствующие музыкальные обозначения.
Фраза "элементы музыки" используется в различных контекстах. Два наиболее распространенных контекста можно различить, описав их как "рудиментарные элементы музыки" и "перцептивные элементы музыки".

Рудиментарные элементы

В 1800-х годах фразы "элементы музыки" и "зачатки музыки" использовались взаимозаменяемо. Элементы, описанные в этих документах, относятся к тем аспектам музыки, которые необходимы для того, чтобы стать музыкантом. Определение, наиболее точно отражающее это употребление, звучит так: "рудиментарные принципы искусства, науки и элементы грамматики". Переход британской учебной программы к "взаимосвязанным измерениям музыки", является шагом назад к использованию элементарных элементов музыки.

Перцептивные элементы

С момента появления психоакустики в 1930-х годах большинство списков элементов музыки больше связаны с тем, как мы слышим музыку, чем с тем, как мы учимся ее играть или изучать. С.Э. Шор в своей книге "Психология музыки" выделил четыре "психологических признака звука". Это были: "высота, громкость, время и тембр". Он не называл их "элементами музыки", но называл их "элементарными компонентами". Тем не менее эти элементарные компоненты точно связаны с четырьмя наиболее распространенными музыкальными элементами: "высота" и "тембр" точно соответствуют, "громкость" связывается с динамикой, а "время" связано с временными элементами ритма, длительности и темпа. Это употребление словосочетания "элементы музыки" более тесно связано с новым словарным определением элемента Вебстера 20-го века: "вещество, которое не может быть разделено на более простую форму известными методами", и перечни элементов учебных заведений в целом также соглашаются с этим определением.
Хотя составители списков "элементарных элементов музыки" могут варьировать свои списки в зависимости от своих личных (или институциональных) приоритетов, перцептивные элементы музыки должны состоять из установленного (или проверенного) списка дискретных элементов, которыми можно независимо манипулировать для достижения намеченного музыкального эффекта.

Анализ стилей

Некоторые стили музыки делают акцент на основные положения в то время как другие уделяют меньше внимания определенным элементам. Например, в то время как джаз эпохи Бибопа использует очень сложные аккорды, включая измененные доминанты и сложные аккордовые прогрессии, с аккордами, изменяющимися два или более раз за такт, и клавишами, изменяющимися несколько раз в мелодии, фанк делает основной акцент на ритм и грув, с целыми песнями, основанными вокруг вампа на одном аккорде. В то время как классическая музыка романтической эпохи с середины до конца 1800- х годов широко использует драматические изменения динамики, от шепчущих фортепианных секций до громоподобных фортиссимо, некоторые в стиле барокко, танцевальные сюиты с арфой с начала 1700-х годов возможно использовать одну динамику.

Немного истории

Доисторическая музыка может быть теоретизирована только на основе находок из палеолитических археологических памятников. Часто встречаются флейты, вырезанные из костей, в которых были пробиты боковые отверстия; считается, что они были продуты с одного конца, как у японских сякухати. Флейте Дивье Бейб, вырезанной из бедренной кости пещерного медведя, как полагают, по меньшей мере 40 000 лет. Такие инструменты, как семиглавая флейта и различные типы струнных инструментов, такие как Раванахата, были найдены в археологических памятниках цивилизации долины Инда.Индия имеет одну из древнейших музыкальных традиций в мире. Самая ранняя и самая большая коллекция доисторических музыкальных инструментов была найдена в Китае и датируется между 7000 и 6600 годами до нашей эры. "Хурритский гимн Никкалу", найденный на глиняных табличках, датируемых приблизительно 1400 годом до нашей эры, является старейшим сохранившимся нотным произведением.

Музыка Древнего Египта

Древние египтяне приписывали одному из своих богов, Тоту, изобретение музыки, а Осирис, в свою очередь, использовал его как часть своих усилий по цивилизованию мира. Самые ранние материальные и репрезентативные свидетельства о египетских музыкальных инструментах относятся к дохристианскому периоду, но они более надежно засвидетельствованы в Древнем царстве, когда играли на арфах, флейтах и двойных кларнетах. Ударные инструменты, лиры и лютни были добавлены к оркестрам Среднего Царства. Цимбалы часто сопровождали музыку и танцы, как и сегодня в Египте. Египетская народная музыка, включая традиционные суфийские ритуалы зикра, является наиболее близким современным музыкальным жанром к древнеегипетской музыке, сохранив многие ее черты, ритмы и инструменты.

Классическая Музыка Индии

Индийская классическая музыка - одна из старейших музыкальных традиций в мире. Цивилизация долины Инда имеет скульптуры, изображающие танец и старинные музыкальные инструменты, такие как флейта с семью отверстиями. Различные типы струнных инструментов и барабанов были найдены в Хараппе и Мохенджо-Даро в результате раскопок, проведенных сэром Мортимером Уилером. Ригведа содержит элементы современной индийской музыки, с музыкальной нотацией для обозначения метра и способа пения. Индийская классическая музыка (Марга) является монофонической и основана на одной мелодической линии, ритмически организованной через Талас. Музыка хинди находилась под влиянием персидской исполнительской практики афганских Моголов. Карнатская музыка, популярная в южных штатах, в основном религиозна; большинство песен адресовано индуистским божествам. Есть также много песен, подчеркивающих любовь и другие социальные проблемы.

Азиатская Музыка

Азиатская музыка охватывает музыкальные культуры Аравии, Центральной Азии, Восточной Азии, Южной Азии и Юго-Восточной Азии. Китайская классическая музыка, традиционное искусство или придворная музыка Китая, имеет историю, охватывающую около трех тысяч лет. Она имеет свои уникальные системы нотной записи, а также музыкальную настройку и высоту тона, музыкальные инструменты и стили или музыкальные жанры.
Исследователи музыки и театра, изучающие историю и антропологию семитской и ранней иудео-христианской культуры, обнаружили общие связи в театральной и музыкальной деятельности между классическими культурами евреев и поздними греками и римлянами. В то время как бытие 4.21 определяет Джубала как "отца всех, кто владеет арфой и трубой", Пятикнижие почти ничего не говорит о практике и обучении музыке в ранней жизни Израиля. Затем в 10 главе первой книги Царств и в последующих текстах происходит любопытная вещь. В библейском тексте, как пишет Альфред Сендри, обнаруживается внезапный и необъяснимый подъем больших хоров и оркестров, состоящих из тщательно организованных и обученных музыкальных групп, что было бы практически немыслимо без длительной методической подготовки. Это привело некоторых ученых к мысли, что пророк Самуил был Патриархом школы, которая учила не только пророков и святых людей, но и музыкантов священного обряда. Эта публичная музыкальная школа, возможно, самая ранняя в истории, не ограничивалась жреческим классом, именно так мальчик пастух Давид появляется на сцене в роли менестреля для царя Саула.

Музыка Древней Греции

В древней Греции музыка была важной частью общественной и культурной жизни. Музыка была важной частью общественной и культурной жизни Древней Греции. Музыканты и певцы играли заметную роль в греческом театре. Смешанные хоры исполнялись для развлечения, празднования и духовных церемоний. Инструменты включали двойной тростниковый авлос и щипковый струнный инструмент, арфу и особый вид инструмента называемый кифарой. Музыка была важной частью образования, и мальчиков обучали музыке с шести лет. Греческая музыкальная грамотность создала расцвет музыкального развития. Теория греческой музыки включала в себя греческие музыкальные модусы, которые в конечном счете стали основой для Западной религиозной и классической музыки. Позднее влияние Римской Империи, Восточной Европы и Византии изменило греческую музыку. Эпитафия Сейкилоса - самый древний сохранившийся образец полного музыкального произведения, включая нотную запись, из любой точки мира. Самая старая из сохранившихся работ, написанных на тему теории музыки, - это Harmonika Stoicheia by Aristoxenus.

Эпоха Средневековья

Эпоха средневековья (с 476 по 1400), началась с введения в богослужения Римско-католической церкви монофонического (однолинейного) песнопения. Музыкальная нотация использовалась с древних времен в греческой культуре, но в средние века нотация была впервые введена католической церковью, чтобы мелодии песнопений могли быть записаны, чтобы облегчить использование одних и тех же мелодий для религиозной музыки во всей католической империи. Единственным европейским средневековым репертуаром, который был найден в письменной форме до 800 года, является монофоническое литургическое песнопение Римско-Католической Церкви, центральной традицией которого называлась Григорианским песнопением. Наряду с этими традициями духовной и церковной музыки существовала живая традиция светской песни (нерелигиозных песен). Примерами композиторов этого периода являются Леонин, Перотен, Гийом де Машо и Вальтер фон дер Фогельвейде.

Эпоха Возрождения

Музыка эпохи Возрождения (с 1400 по 1600 год), была больше сосредоточена на светских (нерелигиозных) темах, таких как куртуазная любовь. Около 1450 года был изобретен печатный станок, который сделал печатные ноты намного дешевле и проще в массовом производстве (до изобретения печатного станка вся нотная музыка копировалась вручную). Возросшая доступность нот способствовала более быстрому и широкому распространению музыкальных стилей. Музыканты и певцы часто работали на церковь, суды и города. Церковные хоры увеличивались в размерах, и церковь оставалась важным покровителем музыки. К середине XV века композиторы сочинили богато полифоническую духовную музыку, в которой одновременно переплетались различные мелодические линии. Среди выдающихся композиторов этой эпохи были: Гийом Дюфай, Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Томас Морли и Орланда де Лассус. Когда музыкальная деятельность перешла от церкви к аристократическим дворам, короли, королевы и принцы соревновались за лучших композиторов. Многие ведущие композиторы приехали из Нидерландов, Бельгии и Северной Франции. Их называют Франко-фламандскими композиторами. Они занимали важные посты по всей Европе, особенно в Италии. В число других стран с активной музыкальной деятельностью входили Германия, Англия и Испания.

Эпоха Барокко

Эпоха барокко в музыке пришлась на период с 1600 по 1750 год, когда художественный стиль барокко процветал по всей Европе и за это время музыка расширилась в своем диапазоне и сложности. Музыка барокко зародилась тогда, когда были написаны первые оперы (драматическая сольная вокальная музыка в сопровождении оркестра). В эпоху барокко полифоническая контрапунктная музыка, в которой использовались множественные, одновременные независимые мелодические линии, оставалась важной (контрапункт был важен в вокальной музыке средневековой эпохи). Немецкие барочные композиторы писали для небольших ансамблей, включая струнные, духовые и деревянные духовые, а также для хоров и клавишных инструментов, таких как орган, клавесин и клавикорд. В этот период были определены несколько основных музыкальных форм, которые продолжались в более поздние периоды, когда они расширялись и развивались дальше. Стиль позднего барокко был полифонически сложным и богато орнаментированным. К выдающимся композиторам эпохи барокко относятся Иоганн Себастьян Бах, Георг Фридрих Гендель, Георг Филипп Телеман и Антонио Лусио Вивальди.

Эпоха Классицизм

Музыка классического периода (с 1730 по 1820 год) стремилась подражать тому, что считалось ключевыми элементами искусства и философии Древней Греции и Рима: идеалам равновесия, пропорции и дисциплинированного выражения. Музыка классического периода имеет более легкую, ясную и значительно более простую фактуру, чем музыка барокко, которая ей предшествовала. Основным стилем была гомофония, в которой отчетливо различались выделяющаяся мелодия и подчиненная ей аккордовая аккомпанементная часть. Классические инструментальные мелодии имели тенденцию быть почти голосоподобными и певучими. Появились новые жанры, и фортепиано, предшественник современного фортепиано, заменил клавесин эпохи барокко и орган-трубу в качестве основного клавишного инструмента.
Большое значение придавалось инструментальной музыке. В ней доминировало дальнейшее развитие музыкальных форм, первоначально определенных в эпоху барокко: сонаты, концерта и симфонии. Другими основными видами были трио, струнный квартет, серенада и дивертисмент. Соната была наиболее важной и развитой формой. Хотя композиторы барокко также писали сонаты, классический стиль сонаты совершенно отличался. Все основные инструментальные формы классической эпохи, от струнных квартетов до симфоний и концертов, были основаны на структуре сонаты. Инструменты, используемые в камерной музыке и оркестре, стали более стандартизированными. Вместо группы Basso continuo эпохи барокко, которая состояла из клавесина, органа или лютни наряду с рядом басовых инструментов, выбранных по усмотрению руководителя группы (виола, виолончель, теорба, серпент). , Классические камерные группы использовали определенные, стандартизированные инструменты (например, струнный квартет будет исполняться двумя скрипками, альтом и виолончелью). Импровизированная аккордовая игра клавишника континуо или лютниста эпохи барокко была постепенно прекращена между 1750 и 1800 годами.
Одним из важнейших изменений, внесенных в классический период, стало развитие публичных концертов. Аристократия по-прежнему играла значительную роль в спонсировании концертов и сочинений, но теперь композиторы могли выжить, не будучи постоянными служащими королей или принцев. Растущая популярность классической музыки привела к росту числа и типов оркестров. Расширение оркестровых концертов потребовало строительства больших публичных концертных залов. Симфоническая музыка, включая симфонии, музыкальное сопровождение к балету и смешанные вокально-инструментальные жанры, такие как опера и оратория, стали более популярными.
Наиболее известными композиторами классицизма являются Карл Филипп Эммануил Бах, Кристоф Виллибальд Глюк, Иоганн Христиан Бах, Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт. Бетховен и Шуберт также считаются композиторами поздней части классической эпохи, когда она начала двигаться в сторону романтизма.

Эпоха Романтизма

Романтическая музыка (1810-1900 гг.) XIX века имела много общего с романтическими стилями в литературе и живописи той эпохи. Романтизм был художественным, литературным и интеллектуальным движением, характеризовавшимся акцентом на эмоциях и индивидуализме, а также прославлением всего прошлого и природы. Романтическая музыка вышла за рамки жестких стилей и форм классической эпохи, превратившись в более страстные, драматические выразительные произведения и песни. Композиторы-романтики, такие как Вагнер и Брамс, пытались усилить эмоциональное выражение и силу в своей музыке, чтобы описать более глубокие истины или человеческие чувства. С симфоническими тональными стихами композиторы пытались рассказывать истории и вызывать образы или пейзажи с помощью инструментальной музыки. Некоторые композиторы пропагандировали националистическую гордость патриотической оркестровой музыкой, вдохновленной народной музыкой. Эмоциональные и выразительные качества музыки стали преобладать над традицией.
Композиторы-романтики выросли в идиосинкразии и пошли дальше в синкретизме изучения различных форм искусства в музыкальном контексте (таких как литература), история (исторические фигуры и легенды) или сама природа. Романтическая любовь или тоска была преобладающей темой во многих произведениях, написанных в этот период. В некоторых случаях продолжали использоваться формальные структуры классического периода (например, сонатная форма, используемая в струнных квартетах и симфониях), но эти формы были расширены и изменены. Во многих случаях были исследованы новые подходы к существующим жанрам, формам и функциям. Кроме того, были созданы новые формы, которые считались более подходящими для нового предмета. Композиторы продолжали развивать оперную и балетную музыку, осваивая новые стили и темы.
После 1800 года музыка, разработанная Людвигом Ван Бетховеном и Францем Шубертом, ввела более драматический, выразительный стиль. В случае Бетховена короткие мотивы, развиваясь органично, пришли на смену мелодии как наиболее значимой композиционной единице (примером может служить характерная четырехнотная фигура, используемая в его 5-ой симфонии). Более поздние композиторы-романтики, такие как Петр Ильич Чайковский, Антонин Дворжак и Густав Малер, использовали более необычные аккорды и больше диссонанса для создания драматического напряжения. Они создавали сложные и часто гораздо более длинные музыкальные произведения. В поздний романтический период композиторы исследовали драматические хроматические изменения тональности, такие как удлиненные аккорды и измененные аккорды, которые создавали новые звуковые тона. В конце 19-го века произошло резкое увеличение размеров оркестра, а индустриальная революция помогла создать лучшие инструменты, создав более мощный звук. Публичные концерты стали важной частью состоятельного городского общества. Он также увидел новое разнообразие в театральной музыке, включая оперетту, музыкальную комедию и другие формы музыкального театра.

Музыка 20-го и 21-го Веков

В XIX веке одним из ключевых способов, благодаря которому новые произведения стали известны широкой публике, была продажа нот, которые любители музыки среднего класса исполняли дома на своем фортепиано или других распространенных инструментах, таких как скрипка.
В музыке XX века изобретение новых электрических технологий, таких как радиовещание и массовая доступность граммофонных пластинок, означало, что звукозаписи песен и пьес, услышанных слушателями (по радио или на их проигрывателе), стали основным способом узнать о новых песнях и пьесах. По мере того как радио набирало популярность, а фонографы использовались для воспроизведения и распространения музыки, значительно возросло количество прослушиваний музыки, потому что если в XIX веке внимание к нотам ограничивало доступ к новой музыке для людей среднего и высшего класса, которые могли читать музыку и владели пианино и инструментами, то в XX веке любой человек, имеющий радио или проигрыватель, мог слушать оперы, симфонии и биг-бэнды прямо у себя дома. Это позволило людям с низкими доходами, которые никогда не смогли бы позволить себе билет на оперу или симфонический концерт, услышать эту музыку. Это также означало, что люди могли слышать музыку из разных частей страны или даже из разных частей мира, даже если они не могли позволить себе путешествовать в эти места. Это способствовало распространению музыкальных стилей.
В центре внимания художественной музыки XX века было исследование новых ритмов, стилей и звуков. Ужасы Первой мировой войны повлияли на многие виды искусства, включая музыку, и некоторые композиторы начали исследовать более темные, более резкие звуки. Традиционные музыкальные стили, такие как джаз и народная музыка, использовались композиторами как источник идей для классической музыки. Игорь Стравинский, Арнольд Шенберг и Джон Кейдж, были влиятельными композиторами в художественной музыке XX века. Изобретение звукозаписи и возможность редактирования музыки породили новый поджанр классической музыки, включая акустическую и музыкальную школы электронной композиции. Звукозапись также оказала большое влияние на развитие популярных музыкальных жанров, поскольку она позволила широко распространять записи песен и групп. Внедрение многодорожечной системы записи оказало большое влияние на рок-музыку, поскольку она могла сделать гораздо больше, чем просто записать выступление группы. Используя многодорожечную систему, группа и ее музыкальный продюсер могли наложить много слоев инструментальных треков и вокала, создавая новые звуки, которые были бы невозможны в живом исполнении.
Джаз развивался и стал важным музыкальным жанром в течение 20-го века, и во второй половине этого века рок-музыка сделала то же самое.
Джаз - это американская музыкальная форма искусства, возникшая в начале 20-го века в афроамериканских общинах на юге США из слияния африканских и европейских музыкальных традиций. Западноафриканская родословная стиля очевидна в его использовании синих нот, импровизации, полиритмов, синкопирования и качающейся ноты.
Рок-музыка - это жанр популярной музыки, который развился в 1960-х годах из 1950-х рок-н-ролла, рокабилли, блюза и кантри-музыки. Звук рока часто вращается вокруг электрогитары или акустической гитары, и он использует сильный бэк-бит, заложенный ритм-секцией. Наряду с гитарой или клавишными инструментами в качестве сольных инструментов используются саксофон и гармоника в блюзовом стиле. В своей "чистейшей форме" он имеет три аккорда, сильный, настойчивый бэк-бит и запоминающуюся мелодию. Традиционная ритм-секция для популярной музыки-это ритм-гитара, электрическая бас-гитара, барабаны. Некоторые группы также имеют клавишные инструменты, такие как орган, фортепиано, или начиная с 1970-х годов аналоговые синтезаторы.
В 1980-х годах поп-музыканты начали использовать цифровые синтезаторы, такие как синтезатор DX-7, электронные драм-машины, такие как TR-808 и синтезаторные басовые устройства (такие как TB-303) или синтезаторные басовые клавиатуры. В 1990-х годах все более широкое распространение получили компьютерные аппаратные музыкальные устройства и инструменты, а также программное обеспечение (например, цифровые аудиосистемы). В 2020-х годах мягкие синтезаторы и компьютерные музыкальные приложения позволяют бедрум-продюсерам создавать и записывать некоторые типы музыки, такие как электронная танцевальная музыка в собственном доме, добавляя сэмплированные и цифровые инструменты и редактируя запись в цифровом формате. В 1990-х годах некоторые группы в таких жанрах, как nu-metal, начали включать диджеев в свои группы. Диджеи создают музыку, манипулируя записанной музыкой на проигрывателях или CD плеерах, используя диджей микшер.

Философия и Эстетика Музыки

Философия музыки - это изучение фундаментальных вопросов, касающихся музыки. Философское изучение музыки имеет много связей с философскими вопросами метафизики и эстетики. Некоторые основные вопросы философии музыки таковы:
-Каково определение музыки?
-Каковы необходимые и достаточные условия для классификации чего-либо как музыки?
-Какова связь между музыкой и умом?
-Что открывает нам музыкальная история о мире?
-Какова связь между музыкой и эмоциями?
-Что такое смысл по отношению к музыке?
В древности, например у древних греков, эстетика музыки исследовала математические и космологические измерения ритмической и гармонической организации. В XVIII веке акцент сместился на опыт слушания музыки, а значит, и к вопросам о ее красоте и человеческом наслаждении музыки. Происхождение этого философского сдвига иногда приписывают Александру Готлибу Баумгартену в XVIII веке, а затем Иммануилу Канту. Через их письменность древний термин "эстетика", означающий чувственное восприятие, получил свое современное значение. В 2000-е годы философы подчеркивали проблемы, помимо красоты и удовольствия. Например, способность музыки выражать эмоции была центральной проблемой.
В XX веке значительный вклад внесли Питер Киви, Джерролд Левинсон, Роджер Скратон и Стивен Дэвис. Однако многие музыканты, музыкальные критики и другие "нефилософы" внесли свой вклад в эстетику музыки. В XIX веке между Эдуардом Хансликом, музыкальным критиком и музыковедом, и композитором Рихардом Вагнером возник серьезный спор о том, может ли музыка выражать смысл. Гарри Парч и некоторые другие музыковеды, такие как Кайл Ганн, изучали и пытались популяризировать микротональную музыку и использование альтернативных музыкальных гамм. Кроме того, многие современные композиторы, такие как Ла Монте Янг, Рис Чатем и Гленн Бранка, уделяли большое внимание гамме, называемой просто интонацией.
Часто считается, что музыка способна влиять на наши эмоции, интеллект и психологию; она может смягчить наше одиночество или разжечь наши страсти. Философ Платон высказывает в "Республике" предположение, что музыка оказывает непосредственное воздействие на душу. Поэтому он предполагает, что в идеальном режиме музыка будет строго регулироваться государством.
В эстетике музыки существует сильная тенденция подчеркивать первостепенное значение композиционной структуры, однако другие вопросы, касающиеся эстетики музыки, включают лиризм, гармонию, гипноз, эмоциональность , темпоральную динамику, резонанс, игривость и цвет.

Музыкальная Психология

Современная музыкальная психология стремится объяснить и понять музыкальное поведение и опыт. Исследования в этой области и ее подпространствах носят преимущественно эмпирический характер. Их знания имеют тенденцию развиваться на основе интерпретации данных, собранных путем систематического наблюдения и взаимодействия с человеческими участниками. Помимо того, что музыкальная психология фокусируется на фундаментальных восприятиях и когнитивных процессах, она является областью исследований, имеющих практическое значение для многих областей, включая музыкальное исполнение, композицию, образование, критику и терапию, а также исследования человеческих способностей, навыков, интеллекта, творчества и социального поведения.

Когнитивная Нейробиология Музыки

Когнитивная нейробиология музыки - это научное исследование мозговых механизмов, участвующих в когнитивных процессах, лежащих в основе музыки. Эти виды поведения включают в себя прослушивание музыки, исполнение, сочинение, чтение, письмо и вспомогательные виды деятельности. Область отличается тем, что она опирается на прямые наблюдения головного мозга, используя такие методы, как магнитно-резонансная томография (МРТ), транскраниальная магнитная стимуляция (ТМС), магнитоэнцефалография (Мэг), электроэнцефалография (ЭЭГ) и позитронно-эмиссионная томография (ПЭТ).

Когнитивное Музыковедение

Когнитивное музыковедение - это раздел когнитивной науки, занимающийся компьютерным моделированием музыкального знания с целью понимания и познания музыки. Использование компьютерных моделей обеспечивает требовательную интерактивную среду для формулирования и проверки теорий и имеет корни в искусственном интеллекте и когнитивной науке.
Эта междисциплинарная область исследует такие темы, как параллели между языком и музыкой в мозге. Биологически вдохновленные модели вычислений часто включаются в исследования, такие как нейронные сети и эволюционные программы. Эта область стремится моделировать, как музыкальные знания представлены, хранятся, воспринимаются, исполняются и генерируются. Используя хорошо структурированную компьютерную среду, можно исследовать систематические структуры этих когнитивных явлений.

Эволюционное Музыковедение

Эволюционная музыковедение касается "происхождения музыки, вопроса о звуках издаваемых животными, давления отбора, лежащего в основе музыкальной эволюции", так же "эволюции музыки и эволюции человека". Она стремится понять восприятие и деятельность музыки в контексте эволюционной теории. Чарльз Дарвин предположил, что музыка, возможно, обладала адаптивным преимуществом и функционировала как протоязык, что породило несколько конкурирующих теорий эволюции музыки. Альтернативный взгляд рассматривает музыку как побочный продукт лингвистической эволюции, который радует чувства, не обеспечивая никакой адаптивной функции. Эта точка зрения была прямо опровергнута многочисленными исследователями музыки.

Культура в Музыкальном Познании

Культура или этническая принадлежность человека играет определенную роль в его музыкальном познании, включая его предпочтения, эмоциональную реакцию и музыкальную память. Музыкальные предпочтения являются предвзятыми в культурном отношении музыкальными традициями с раннем возрасте, а классификация эмоций музыкального произведения взрослыми зависит как от культурно специфических, так и от универсальных структурных особенностей. Кроме того, способности к музыкальной памяти у людей выше для музыки, знакомой с точки зрения культуры, чем для музыки, незнакомой с точки зрения культуры.

Социологический Аспект

Многие этнографические исследования показывают, что музыка - это коллективная, общинная деятельность. Музыка воспринимается индивидами в различных социальных условиях, начиная от одиночества и заканчивая посещением больших концертов, формируя музыкальное сообщество, которое не может быть определено как функция индивидуальной воли или случайности. Оно включает как коммерческих, так и некоммерческих участников с набором общих ценностей. Музыкальные представления принимают различные формы в различных культурах и социально-экономических средах. В Европе и Северной Америке часто существует разница между тем, какие типы музыки рассматриваются как "высокая культура" и как "низкая культура". Типы музыки "высокой культуры" обычно включают Западную художественную музыку, такую как барокко, классика, романтика и современные симфонии, концерты и сольные произведения, и как правило, звучат на официальных концертах, концертных залах и церквях, с аудиторией, спокойно сидящей в креслах.
Другие виды музыки, включая, но не ограничиваясь ими, джаз, блюз, соул и кантри, часто исполняются в барах, ночных клубах и театрах, где публика может пить, танцевать и выражать себя аплодисментами. До конца 20-го века разделение между "высокими" и "низкими" музыкальными формами было широко принято как действительное различие, которое отделяло более качественную, более совершенную "художественную музыку" от популярных стилей музыки, звучащей в барах и танцевальных залах.
В 1980-х и 1990-х годах музыковеды, изучавшие этот предполагаемый разрыв между "высокими" и "низкими" музыкальными жанрами, утверждали, что это различие не основано на музыкальной ценности или качестве различных типов музыки. Но скорее всего это различие было основано главным образом на социально-экономическом положении или социальном классе исполнителей или аудитории различных типов музыки. Например, в то время как аудитория классических симфонических концертов обычно имеет доходы выше среднего, аудитория рэп-концерта в пригороде может иметь доходы ниже среднего. Даже если исполнители, аудитория или место, где исполняется не "художественная" музыка, могут иметь более низкий социально-экономический статус. Исполняемая музыка, такая как блюз, рэп, панк, фанк, или ска может быть очень сложным и изощренным.
Когда композиторы вводят стили музыки, которые нарушают условности, может возникнуть сильное сопротивление со стороны академических музыкальных экспертов и массовой культуры. Струнные квартеты Бетховена позднего периода, балетные партитуры Стравинского, сериализм, джаз эпохи бибопа, хип-хоп, панк-рок и электроника - все они считались немузыкальными некоторыми критиками, когда они были впервые представлены. Такие темы рассматриваются в социологии музыки. Социологическое изучение музыки, иногда называемое социомузыкологией, часто проводится в отделах социологии, медиа-исследований или музыки и тесно связано с областью этномузыкологии.

Медиа и Технологии

Музыку, которую сочиняют композиторы, можно услышать через несколько средств массовой информации. Наиболее традиционный способ услышать ее вживую, нужно посетить такое место как амфитеатр, концертный зал, кабаре или театр. Начиная с 20- го века, живая музыка также может транслироваться по радио, телевидению или интернету, а так же записываться и прослушиваться на CD или Mp3 плеере. Некоторые музыкальные стили фокусируются на создании звука для выступления, в то время как другие фокусируются на создании записи, которая смешивает вместе звуки, которые никогда не были воспроизведены "вживую". Запись, даже живых стилей, таких как рок, часто использует возможность редактирования и соединения, чтобы произвести записи, которые могут считаться "лучше", чем фактическое исполнение.
Технология оказала влияние на музыку с доисторических времен, когда пещерные люди использовали простые инструменты, чтобы просверлить отверстия в костяных флейтах 41 000 лет назад. Технология продолжала оказывать влияние на музыку на протяжении всей истории музыки, поскольку она позволила использовать новые инструменты и системы воспроизведения нотной записи. Одним из переломных моментов в нотной записи стало изобретение печатного станка в 1400-х годах, это сказалось на том, что музыкальные партитуры больше не нужно было копировать вручную. В 19 веке музыкальные технологии привели к разработке более мощного, более громкого фортепиано и привели к разработке новых духовых инструментов.
Когда в начале 20-го века появились Talking Pictures с их предварительно записанными музыкальными треками, большее число музыкантов оркестра Moviehouse оказались без работы. В 1920-е годы живые музыкальные выступления оркестров, пианистов и театральных органистов были обычным явлением в первых театрах. С появлением говорящих кинофильмов эти показанные представления были в значительной степени исключены. Американская федерация музыкантов (AFM) вывесила в газетах объявления, протестующие против замены живых музыкантов механическими игровыми устройствами. Одно объявление 1929 года, появившееся в Питтсбургской прессе, содержит изображение банки с надписью "консервированная музыка / бренд Big Noise / гарантированно? не вызовет никакой интеллектуальной или эмоциональной реакции".
С момента принятия законодательства, призванного помочь защитить исполнителей, композиторов, издателей и продюсеров, включая закон о домашней аудиозаписи 1992 года в Соединенных Штатах и пересмотренную Бернскую конвенцию 1979 года "Об охране литературных и художественных произведений в Соединенном Королевстве", записи и живые выступления также стали более доступными через компьютеры, устройства и интернет, в форме, которая обычно известна как музыка по требованию.
Во многих культурах существует меньше различий между исполнением и прослушиванием музыки, поскольку практически каждый человек вовлечен в ту или иную музыкальную деятельность, часто коллективную. В промышленно развитых странах прослушивание музыки через записанную форму, такую как звукозапись или просмотр музыкального видео, стало более распространенным явлением, чем живое исполнение, примерно с середине 20-го века.
Иногда живые выступления включают предварительно записанные звуки. Например, диск-жокей использует дисковые записи для царапания, а в некоторых произведениях 20-го века есть соло для инструмента или голоса, которое исполняется вместе с музыкой, предварительно записанной на ленту. Компьютеры и многие синтезаторы могут быть запрограммированы для производства и воспроизведения музыки цифрового интерфейса музыкальных инструментов (MIDI). Зрители также могут стать исполнителями, участвуя в караоке, деятельности японского происхождения, сосредоточенной на устройстве, которое воспроизводит голосовые версии известных песен. Большинство караоке-автоматов также имеют видеоэкраны, на которых отображаются тексты исполняемых песен и исполнители могут следить за текстами песен, когда они поют в микрофон.