Электронная Музыка

Про электронную музыку

Электронная музыка (Electronic music) - широкое музыкальное направление, в котором используются электронные музыкальные инструменты, цифровые инструменты и музыкальные технологии на основе электронных схем. В целом можно провести различие между звуком, производимым с помощью электромеханических средств (электроакустическая музыка), и звуком, производимым только с помощью электроники.
Электромеханические инструменты включают в себя механические элементы, такие как струны, молотки и т. д., и электрические элементы, такие как магнитные датчики, усилители мощности и громкоговорители. Примеры электромеханических устройств для производства звука включают телгармониум, орган Хаммонда и электрогитару, которые обычно делаются достаточно громкими, чтобы исполнители и аудитория могли слышать с помощью аппаратного усилителя и акустическими динамиками. Чисто электронные инструменты не имеют вибрирующих струн, пневмоударников и других звуковоспроизводящих механизмов. Такие устройства, как терменвокс, синтезатор и компьютер, могут производить электронные звуки.
Первые электронные устройства для исполнения музыки были разработаны в конце XIX века, и вскоре после этого итальянские футуристы исследовали звуки, которые не считались музыкальными. В 1920-1930-е годы появились электронные инструменты и были созданы первые композиции с помощью этих инструментов. К 1940-м годам магнитная аудиокассета позволила музыкантам записывать звуки, а затем изменять их, изменяя скорость или направление ленты, что привело к развитию электроакустической магнитофонной музыки в 1940-х годах в Египте и Франции.
Музыкальный концерт, созданный в Париже в 1948 году, был основан на совместном редактировании записанных фрагментов природных и индустриальных звуков. Музыка, производимая исключительно из электронных генераторов, впервые появилась в Германии в 1953 году. Электронная музыка также была создана в Японии и Соединенных Штатах начиная с 1950-х гг. Важным новым событием стало появление компьютеров для сочинения музыки. Алгоритмическая композиция с использованием компьютеров впервые была продемонстрирована в 1950-х годах (хотя сама по себе алгоритмическая композиция без компьютера возникла гораздо раньше, примером служит Mozart's Musikalisches Würfelspiel).
В 1960-х годах живая электроника впервые появилась в Америке и Европе, японские электронные музыкальные инструменты начали влиять на музыкальную индустрию, а Ямайская даб-музыка появилась как форма популярной электронной музыки. В начале 1970-х годов монофонический синтезатор Minimoog и японские драм-машины помогли популяризировать синтезированную электронную музыку.
В 1970-х годах электронная музыка начала оказывать значительное влияние на популярную музыку, с внедрением полифонических синтезаторов, электронных барабанов, драм-машин и вертушек, через появление таких жанров, как disco, krautrock, new wave, synth-pop, hip hop и EDM.
В 1980-х годах электронная музыка стала более доминирующей в популярной музыке, с большей опорой на синтезаторы и принятием программируемых драм-машин, таких как Roland TR-808 и басовых синтезаторов, таких как TB-303. В начале 1980-х годов цифровые технологии для синтезаторов, включая цифровые синтезаторы, такие как Yamaha DX7, были популяризированы, и группа музыкантов и музыкальных торговцев разработала цифровой интерфейс музыкальных инструментов (MIDI).
Современная электронная музыка включает в себя множество разновидностей и диапазонов от экспериментальной художественной музыки до популярных форм, таких как электронная танцевальная музыка. Сегодня поп-электронная музыка наиболее узнаваема в своей форме и связана с основной культурой, в отличие от ее предыдущих форм, которые были специализированы на нишевых рынках.

Происхождение электронной музыки

На рубеже XX века эксперименты с развивающейся электроникой привели к появлению первых электронных музыкальных инструментов. Эти первоначальные изобретения не продавались, а вместо этого использовались в демонстрациях и публичных выступлениях. Зрителям были представлены репродукции уже существующей музыки, вместо новых композиций для инструментов.
В то время как некоторые инструменты считались новинками и производили простые тона, Телгармония точно синтезировала звук оркестровых инструментов. Она достигла жизнеспособного общественного интереса и сделала коммерческий прогресс в потоковой передаче музыки через телефонные сети.
Музыкальные критики того времени видели многообещающее в этих событиях. Ферруччо Бузони поощрял сочинение микротональной музыки, сделанной электронными инструментами. Он предсказал использование машин в будущей музыке, написав влиятельный очерк новой музыкальной эстетики. Футуристы, такие как Франческо Балилья Прателла и Луиджи Руссоло, начали сочинять музыку с акустическим шумом, чтобы вызвать звук машин. Они предсказали расширение тембра, допускаемое электроникой во влиятельном манифесте "The Art of Noises".

Электронная музыка на рубеже 20-го века

Развитие вакуумной трубки привело к появлению электронных приборов, которые были меньше, усилены и более практичны в работе. В частности, Терменвокс, волны Мартено и траутониум были серийно выпускаемыми в начале 1930-х годов. С конца 1920-х годов возросшая практичность электронных инструментов повлияла на принятие их такими композиторами, как Джозеф Шиллингер. Они обычно использовались в оркестрах, и большинство композиторов писали партии для терменвокса, которые в противном случае можно было бы исполнять на струнных инструментах.
Композиторы-авангардисты критиковали преобладающее использование электронных инструментов в традиционных целях. Инструменты предлагали расширение питч-ресурсов, которые были использованы сторонниками микротональной музыки, такими как Чарльз Айвз, Димитриос Левидис, Оливье Мессиан и Эдгард Варез. Далее, Перси Грейнджер использовал терменвокс, чтобы полностью отказаться от фиксированной тонации, в то время как русские композиторы, такие как Гавриил Попов, рассматривали его как источник шума в другой акустической музыке.

Запись Экспериментов

Развитие ранней технологии записи шло параллельно с развитием электронных инструментов. Первое средство записи и воспроизведения звука было изобретено в конце 19 века с помощью механического фонографа. Проигрыватели стали обычным предметом домашнего обихода, и к 1920-м годам композиторы использовали их для воспроизведения коротких записей в спектаклях.
За введением в 1925 году электрозаписей последовали более активные эксперименты с проигрывателями. Пол Хиндемит и Эрнст Тох сочинили несколько пьес в 1930 году путем наслоения записей инструментов и вокала на отрегулированных скоростях. Под влиянием этих методов Джон Кейдж составил Imaginary Landscape No. 1 в 1939 году, регулируя скорость записанных тонов.
Параллельно композиторы начали экспериментировать с недавно разработанной технологией звукозаписи. Записи могут быть склеены вместе, чтобы создать звуковые коллажи, такие как Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti, Walter Ruttmann и Dziga Vertov. Эти методы были использованы для создания саундтреков к нескольким фильмам в Германии и России, в дополнение к популярным Dr. Jekyll и Mr. Hyde в США. Эксперименты с графическим звуком были продолжены Норманом Маклареном в конце 1930-х годов.

Развитие развитие электронной музыки в 1940-1950-е годы

Развитие магнитафонной ленты и музыки

Первый практический магнитофон был представлен в 1935 году. Усовершенствование технологии было произведено с использованием метода смещения переменного тока, что значительно повысило точность записи. Уже в 1942 году тестовые записи делались в стереосистеме. Хотя эти разработки первоначально были ограничены Германией, после окончания Второй мировой войны магнитофоны и кассеты были доставлены в Соединенные Штаты. Они были положены в основу первого серийно выпускаемого магнитофона в 1948 году.
В 1944 году, до использования магнитной ленты в композиционных целях, египетский композитор Халим Эль-Дабх, будучи еще студентом в Каире, использовал громоздкий проволочный магнитофон для записи звуков древней церемонии Заар. Используя оборудование ближневосточных радиостудий, Эль-Дабх обрабатывал записанный материал с помощью реверберации, эхо, регуляторов напряжения и перезаписи. То, что получилось в результате, считается самой ранней музыкальной ленточной композицией. Получившаяся в результате работа получила название "The Expression of Zaar" - "Экспрессия Заара" и была представлена в 1944 году на выставке художественной галереи в Каире. В то время как его первые эксперименты в области магнитофонной композиции не были широко известны за пределами Египта, Эль-Дабх также известен своей более поздней работой в электронной музыке в Колумбийском Принстонском центре электронной музыки в конце 1950-х годов.

Конкретная музыка

После работы с Studio d'Essai в Radiodiffusion Française (RDF), в начале 1940-х годов, Пьеру Шефферу приписывают возникновение теории и практики musique concrete. В конце 1940-х годов Шеффер впервые провел эксперименты по созданию композиции на основе звука с использованием шеллаковых проигрывателей. В 1950 году методы musique concrete были расширены, когда ленточные магнитофоны были использованы для изучения методов манипулирования звуком, таких как изменение скорости (сдвиг шага) и сращивание ленты.
5 октября 1948 года РДФ передал в эфир Этюд Шеффера "На железной дороге". Это было первое "движение" пятиступенчатого исследования звука и положило начало студийным реализациям и musique concrete (или акустическое искусство). Шеффер использовал дисковый режущий станок, четыре вертушки, четырехканальный микшер, фильтры, эхокамеру и передвижной блок записи. Вскоре после этого Пьер Анри начал сотрудничать с Шеффером, партнерство, которое будет иметь глубокие и долгосрочные последствия для направления электронной музыки. Другой соратник Шеффера, Эдгард Варезе, начал работу над Deserts, работой для камерного оркестра и ленты. Части ленты были созданы в студии Пьера Шеффера, а затем переработаны в Колумбийском университете.
В 1950 году Шеффер дал первый публичный (не транслируемый) концерт musique concrete в школе нормальной музыки Парижа. Шеффер использовал акустическую систему, несколько вертушек и микшеры. Представление прошло не очень хорошо, так как создание живых монтажей с вертушками никогда раньше не делалось. Позже, в том же году, Пьер Анри сотрудничал с Шеффером над "Symphonie pour un homme seul" (1950) - первое полное произведение "musique concrete". В Париже в 1951 году, что должно было стать важным мировым трендом, RTF создала первую студию для производства электронной музыки. Также в 1951 году Шеффер и Генри создали оперу "Орфей".

Электронная музыка

1954 год ознаменовался появлением того, что теперь будет считать аутентичными электрическими положительными акустическими композициями. Акустические инструменты дополняются, сопровождаются записями манипулированного или электронного звука. В этом же году состоялась премьера трех главных произведений: Varese's Deserts для камерного ансамбля и магнитофонных звуков, а так же два произведения Отто Люенинга и Владимира Усачевского: рапсодические вариации для Луисвилльской симфонии и поэмы в циклах и колокольчиках, как для оркестра, так и для магнитофона. Поскольку он работал в студии Шеффера, магнитофонная часть для работы Вареза содержит гораздо больше конкретных звуков, чем электронные. Группа, состоящая из духовых инструментов, перкуссии и фортепиано, чередуется с мутировавшими звуками заводских шумов, корабельных сирен и моторов, доносящимися из двух громкоговорителей.
На немецкой премьере "Дезерта" в Гамбурге, которую дирижировал Бруно Мадерна, магнитофоном управлял Карлхайнц Штокхаузен. Название Deserts (означает "пустыни") подсказывало Варезе не только все физические пустыни (песка, моря, снега, внешнего пространства, пустых улиц), но и пустыни в сознании человека, и не только те обнаженные аспекты природы, которые предполагают обнаженность, отчужденность, безвременье, но и то отдаленное внутреннее пространство, куда не может проникнуть ни один телескоп, где человек одинок, мир тайны и сущностного одиночества.
В Кельне, в 1953 году на радиостудии NWDR была официально открыта студия электронной музыки, которая станет самой известной в мире. Хотя она была на стадии планирования еще в 1950 году, а ранние композиции были сделаны и переданы в эфир в 1951 году. Будучи детищем Вернера Мейера-Эпплера, Роберта Бейера и Герберта Эймерта (который стал ее первым директором), вскоре к студии присоединились Карлхайнц Штокхаузен и Готфрид Майкл Кениг. В своем тезисе 1949 года "Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache" Вернер Мейер-Эпплер задумал идею полностью синтезировать музыку из электронных сигналов. Таким образом, Elektronische Musik резко отличался от французского musique concrète, в котором использовались звуки, записанные из акустических источников.
В 1954 году Штокхаузен написал свой Elektronische Studie II - первое электронное произведение, опубликованное в виде партитуры. В 1955 году стали появляться более экспериментальные и электронные студии. Следует отметить создание музыкальной студии Radio Milano, студии NHK в Токио, основанная Тосиро Маюдзуми, и студия Philips в Эйндховене, Нидерланды, которая перешла в Утрехтский университет как институт Сонологии в 1960 году.
Штокхаузен утверждал, что его слушатели говорили ему, что его электронная музыка дает им ощущения "космического пространства", полета или пребывания в "фантастическом мире снов". Совсем недавно Штокхаузен занялся производством электронной музыки в своей собственной студии в Кюртене, его последней работой в этой среде была Cosmic Pulses (2007).

Японская Электронная Музыка

Самая ранняя группа электронных музыкальных инструментов в Японии, Yamaha Magna Organ, была построена в 1935 году, однако после Второй мировой войны японские композиторы, такие как Минао Шибата, знали о разработке электронных музыкальных инструментов. К концу 1940-х японские композиторы начали экспериментировать с электронной музыкой и институциональное спонсорство позволило им экспериментировать с современным оборудованием. Их вливание азиатской музыки в развивающийся жанр в конечном итоге поддержит популярность Японии в развитии музыкальных технологий несколько десятилетий спустя.
После основания электронной компании Sony в 1946 году композиторы Тору Такэмицу и Минао Сибата независимо исследовали возможности использования электронных технологий для производства музыки.У Такэмицу были идеи, похожие на musique Concrete , о которых он не знал, в то время как Сибата предвидел развитие синтезаторов и предсказывал радикальные изменения в музыке. Sony начала производить популярные магнитофоны для государственных и общественных нужд.
Авангардный коллектив Jikken Kоbо (экспериментальная мастерская), основанный в 1950 году, получил доступ к новым аудиотехнологиям от Sony. Компания наняла Тору Такэмицу для демонстрации своих магнитофонов с композициями и исполнениями электронной магнитофонной музыки. Первыми электронными записями группы были "Toraware no Onna" ("Заключенная женщина") и и "Piece B" ("Пьесса Б"), написанная в 1951 году Кунихару Акияма. Многие из произведенных ими электроакустических лент использовались в качестве эпизодической музыки для радио, кино и театра. Они также проводили концерты с использованием слайд-шоу, синхронизированного с записанным саундтреком. Композиторы за пределами Дзиккен Кобо, такие как Ясуси Акутагава, Сабуро Томинага и Широ Фукай, также экспериментировали с радиофонической музыкой на магнитофонной ленте между 1952 и 1953 годами.
Musique concrete был представлен в Японии Тоширо Маидзуми, который находился под влиянием концерта Пьера Шеффера. С 1952 года он сочинял музыкальные произведения для комедийного фильма, радиопередачи и радиопостановки. Тем не менее, концепция звукового объекта Шеффера не имела влияния среди японских композиторов, которые были в основном заинтересованы в преодолении ограничений человеческой деятельности. Это привело к тому, что несколько японских электроакустических музыкантов использовали сериализм и технику из двенадцати тонов, что было очевидно в пьесе Йоширо Ирино 1951 года "Concerto da Camera", в организации электронных звуков в "X, Y, Z для Musique Concrète" Маюдзуми, а затем в электронной музыке Шибаты к 1956 году.
Смоделировав студию NWDR в Кельне, NHK в 1955 году основала студию электронной музыки в Токио, которая стала одним из ведущих мировых центров электронной музыки. Студия NHK была оснащена такими технологиями, как оборудование для генерации тона и обработки звука, записывающее и радиофоническое оборудование, ondes Martenot, Monochord и Melochord, синусоидальные осцилляторы, магнитофоны, кольцевые модуляторы, полосовые фильтры? четырех и восьмиканальные микшеры. Среди музыкантов, связанных со студией, были Тоширо Маюдзуми, Минао Шибата, Джоджи Юаса, Тоши Ичиянаги и Тору Такемитсу. Первые электронные композиции студии были закончены в 1955 году, в том числе пятиминутные пьесы Маюдзуми "Студия I: музыка для синусоидальной волны пропорционально простому числу", "Музыка для модулированной волны пропорционально простому числу" и "Изобретение для прямоугольной волны и пилообразной волны" произведено с использованием различных тональных возможностей студии, а также 20-минутной стереофонической пьесы Шибаты "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast".

Американская Электронная Музыка

В Соединенных Штатах электронная музыка создавалась еще в 1939 году, когда Джон Кейдж опубликовал "Imaginary Landscape, №1", используя два проигрывателя с переменной скоростью, частотные записи, приглушенное пианино и тарелку, но без электронных средств производства. Кейдж сочинил еще пять "Imaginary Landscape" между 1942 и 1952 годами (один снят), в основном для ударного ансамбля, хотя № 4 предназначен для двенадцати радиоприемников, а № 5, написанный в 1952 году, использует 42 записи и должен быть реализован на магнитофонной ленте.
Проект "Музыка для магнитной ленты" был создан членами Нью-Йоркской школы (Джон Кейдж, Эрл Браун, Кристиан Вольф, Дэвид Тюдор и Мортон Фельдман) и просуществовал три года до 1954 года. Кейдж закончил Williams Mix в 1953 году, работая с проектом Music for Magnetic Tape. У группы не было постоянного помещения, и ей приходилось полагаться на заемное время в коммерческих звуковых студиях, включая студию Луиса и Бебе Баррон.

Центр Электронной Музыки Колумбия-Принстон

В том же году Колумбийский университет приобрел свой первый магнитофон, профессиональную машину Ampex, для записи концертов. Владимир Усачевский, который работал на музыкальном факультете Колумбийского университета, был назначен ответственным за устройство и почти сразу же начал экспериментировать с ним.
Герберт Русскол пишет: "вскоре он был заинтригован новыми звуками, которые он мог достичь, записывая музыкальные инструменты, а затем накладывая их друг на друга. Позже Усачевский сказал: "я вдруг понял, что магнитофон можно рассматривать как инструмент преобразования звука. В четверг, 8 мая 1952 года, Усачевский представил несколько демонстраций магнитофонной музыки (эффектов, которые он создал на своем форуме композиторов, в театре Макмиллина при Колумбийском университете). Они включали в себя транспозицию, реверберацию, эксперимент, композицию и подводный Вальс. В одном из интервью он заявил: "Я представил несколько примеров своего открытия на публичном концерте в Нью-Йорке вместе с другими композициями, которые я написал для обычных инструментов. Отто Луенинг, который присутствовал на этом концерте, заметил: "Оборудование, которое он имел в своем распоряжении, состояло из магнитофона Ampex и простого коробочного устройства, разработанного блестящим молодым инженером Питером Моузи для создания обратной связи, формы механической реверберации. Другое оборудование было заимствовано или приобретено за личные средства".
Всего через три месяца, в августе 1952 года, Усачевский отправился в Беннингтон, штат Вермонт, по приглашению Люенинга, чтобы представить свои эксперименты. Там они вдвоем работали над разными пьесами. Луенинг так описал это событие: "Вооружившись наушниками и флейтой, я начал разрабатывать свою первую магнитофонную композицию. Мы оба были искусными импровизаторами, и медиум воспламенил наше воображение. Они сыграли несколько ранних пьес неофициально на вечеринке, где несколько композиторов почти торжественно поздравили нас, сказав: "Это она" ("это" означает музыка будущего)".
Весть об этом быстро дошла до Нью-Йорка. Оливер Дэниел позвонил и пригласил эту пару спродюсировать группу коротких композиций для октябрьского концерта, спонсируемого американским Союзом композиторов и компанией Broadcast Music, Inc., под руководством Леопольда Стоковского в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке. "После некоторого колебания мы согласились... . Генри Коуэлл предоставил в наше распоряжение свой дом и студию в Вудстоке, штат Нью- Йорк. С одолженным оборудованием на заднем сиденье машины Усачевского мы выехали из Беннингтона в Вудсток и пробыли там две недели... . В конце сентября 1952 года передвижная лаборатория добралась до гостиной Усачевского в Нью- Йорке, где мы в конце концов завершили работу над композициями".
Два месяца спустя, 28 октября, Владимир Усачевский и Отто Луенинг представили первый концерт магнитофонной музыки в США. Концерт включал в себя "фантазию Луэнинга в космосе" (1952) — "импрессионистическую виртуозную пьесу", использующую манипулированные записи флейты и низкую скорость (1952), "экзотическую композицию, которая вывела флейту далеко за пределы ее естественного диапазона". Обе пьесы были созданы в доме Генри Коуэлла в Вудстоке, штат Нью-Йорк. После того, как несколько концертов вызвали сенсацию в Нью-Йорке, Уссачевский и Луенинг были приглашены на прямую трансляцию NBC Today Show для демонстрации интервью - первого телевизионного электроакустического представления. Луенинг описал это событие так: "я импровизировал несколько последовательностей флейты для магнитофона. Усачевский тут же подвергал их электронным преобразованиям".
Партитура "Forbidden Planet" Луи и Беби Барронов была полностью составлена с использованием электронных схем и магнитофонов, изготовленных по заказу в 1956 году (но без синтезаторов в полном понимании этого слова).

Австралия

Первым в мире компьютером для воспроизведения музыки был CSIRAC (первый цифровой компьютер Австралии), который был спроектирован и построен Тревором Пирси и Мастоном Бирдом. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC на воспроизведение популярных музыкальных мелодий с самого начала 1950-х гг. В 1951 году он публично сыграл марш полковника Богги, о котором не существует никаких известных записей, только точная реконструкция. Однако CSIRAC играл стандартный репертуар и не был использован для расширения музыкального мышления или практики композиции. CSIRAC никогда не записывался, но играемая музыка была точно восстановлена. Самые старые известные записи компьютерной музыки были воспроизведены компьютером Ferranti Mark 1, коммерческой версией Baby Machine из Манчестерского университета осенью 1951 года. Музыкальная программа была написана Кристофером Стрейчи.

С середины до конца 1950-х годов

Влияние компьютеров продолжалось и в 1956 году. Лежарен Хиллер и Леонард Айзексон сочинили Нелиаковую сюиту для струнного квартета-первое полное произведение компьютерной композиции с использованием алгоритмической композиции. "... Хиллер постулировал, что компьютер может быть обучен правилам определенного стиля, а затем призван сочинять соответственно". Более поздние разработки включали работу Макса Мэтьюза в Bell Laboratories, который разработал влиятельную программу MUSIC I в 1957 году , одну из первых компьютерных программ для воспроизведения электронной музыки. Технология вокодера также была крупным достижением в эту раннюю эпоху. В 1956 году Штокхаузен написал Gesang der Junglinge, первую крупную работу Кельнской студии, основанную на тексте из Книги Даниила. Важным технологическим достижением того года стало изобретение синтезатора Clavivox Раймондом Скоттом с подсборкой Робертом Мугом.
В 1957 году Kid Baltan (Dick Raaymakers) и Tom Dissevelt выпустили свой дебютный альбом "Song of the Second Moon", записанный на студии Philips в Нидерландах. Публика по-прежнему интересовалась новыми звуками, создаваемыми во всем мире, о чем можно судить по включению "Poеme еlectronique" Вереза, которое было воспроизведено через четыреста громкоговорителей в павильоне Philips на Всемирной ярмарке в Брюсселе в 1958 году. В том же году Маурисио Кагель, аргентинский композитор, написал "Transiciоn II". Работа была реализована на студии WDR в Кельне. Два музыканта играли на пианино, один в традиционной манере, другой играл на струнах, раме и кейсе. Два других исполнителя использовали ленту, чтобы объединить представление живых звуков с будущим предварительно записанных материалов позднее и прошлых записей, сделанных ранее в спектакле.
В 1958 году компания Columbia-Princeton разработала звуковой синтезатор RCA Mark II, первый программируемый синтезатор. Выдающиеся композиторы, такие как Владимир Усачевский, Отто Луенинг, Милтон Бэббит, Чарльз Уоринен, Халим Эль-Дабх, Бюлент Арель и Марио Давидовский широко использовали синтезатор RCA в различных композициях. Одним из самых влиятельных композиторов, связанных с ранними годами существования студии, был египетский Халим Эль-Дабх, который разработав самую раннюю известную электронную магнитофонную музыку в 1944 году, стал более известным благодаря Лейле и поэту, серии электронных композиций 1959 года, которая выделялась своим погружением и плавным слиянием электронной и народной музыки, в отличие от более математического подхода, используемого серийными композиторами того времени, такими как Бэббит. Лейла и поэт Эль-Даба, выпущенная в рамках альбома Columbia-Princeton Electronic Music Center в 1961 году, будет отмечаться как сильное влияние ряда музыкантов, начиная от Нила Рольника, Чарльза Амирханяна и Элис Шилдс до рок-музыкантов Фрэнка Заппы и экспериментальной группы поп-арта западного побережья.

Экспансия: 1960-е годы

Это были плодотворные годы для электронной музыки - не только для научных кругов, но и для независимых артистов, поскольку технология синтезатора стала более доступной. К этому времени сформировалось и росло сильное сообщество композиторов и музыкантов, работающих с новыми звуками и инструментами. 1960 год ознаменовался сочинением "Gargoyles" Люенинга для скрипки и магнитофона, а также премьерой "Kontakte" Штокхаузена для электронных звуков, фортепиано и перкуссии. Эта пьеса существовала в двух вариантах, один для 4-канальной ленты, а другой для ленты с человеческими исполнителями. Штокхаузен отказался от традиционной музыкальной формы, в пьессе "Kontakte", основанной на линейном развитии и драматической кульминации. Этот новый подход, который он назвал "мгновенной формой", напоминает технику "кинематографического сращивания" в кинематографе начала двадцатого века".
Терменвокс использовался с 1920-х годов, но в 1950-х годах он получил известность благодаря своему использованию в саундтреке к научно-фантастическим фильмам (например, классическая партитура Бернарда Германа "День, когда Земля остановилась").
В Великобритании в этот период Радиофоническая мастерская Би-би-си (основанная в 1958 году) приобрела известность, во многом благодаря их работе над научно-фантастическим сериалом Би-би-си "Доктор Кто". Одним из самых влиятельных британских исполнителей электронной музыки в этот период была сотрудница этой мастерской Делия Дербишир, которая теперь известна своей электронной реализацией в 1963 году культовой темы "Доктор Кто", написанной Роном Грейнером.
В 1961 году Йозеф Таль основал центр электронной музыки в Израиле при Еврейском университете, а в 1962 году Хью Ле Кейн прибыл в Иерусалим, чтобы установить там свой творческий магнитофон. В 1990-х годах Тал совместно с доктором Шломо Маркелем и совместно с Израильским технологическим институтом Technion и компанией VolkswagenStiftung провели исследовательский проект (Talmark), направленный на разработку новой системы музыкальной нотации для электронной музыки.
Сотрудничество также происходило через океаны и континенты. В 1961 году Усачевский пригласил Вереза в студию Колумбия-Принстон (CPEMC). По прибытии Варезе приступил к пересмотру Десертс. Ему помогали Марио Давыдовский и Бюлент Арел.
Интенсивная деятельность, происходящая в CPEMC и в других местах, вдохновила Мортона Суботника на создание в 1963 году центра магнитофонной музыки в Сан-Франциско с дополнительными членами: Полиной Оливерос, Рамоном Сендером, Энтони Мартином и Терри Райли. Позже центр переехал в Миллс-колледж под руководством Полины Оливерос, где сегодня он известен как Центр Современной Музыки.
Одновременно в Сан-Франциско композитор Стэн Шафф и дизайнер оборудования Дуг Мак-Ихерн представили первый концерт "Audium" в Государственном колледже Сан-Франциско (1962), за которым последовала работа в музее современного искусства Сан-Франциско (1963), задуманная как во времени контролируемое движение звука в пространстве. Двенадцать динамиков окружали аудиторию, четыре динамика были установлены на вращающейся, подвижной конструкции наверху. В следующем году (1964) музыкальный критик San Francisco Chronicle Альфред Франкенштейн прокомментировал выступление SFMOMA:
"Возможности пространственно-звукового континуума редко были так широко исследованы".
В 1967 году открылся первый Audium - "звуко-пространственный континуум", который проводил еженедельные выступления вплоть до 1970 года. В 1975 году, благодаря стартовым капиталу национального фонда искусств, открылся новый Аудиум, спроектированный от пола до потолка для пространственной звуковой композиции и исполнения. Напротив, есть композиторы, которые манипулируют звуковым пространством, размещая несколько динамиков в различных местах в пространстве исполнения, а затем переключая или перемещая звук между источниками. При таком подходе композиция пространственных манипуляций зависит от расположения динамиков и обычно использует акустические свойства корпуса. В качестве примера можно привести поэму Варезе Electronique (магнитофонная музыка, исполняемая в павильоне Philips на Всемирной выставке 1958 года в Брюсселе) и аудиальную инсталляцию Стэнли Шаффа, действующую в настоящее время в Сан-Франциско. Через еженедельные программы (более 4500 за 40 лет), Шафф лепит звук, исполняя теперь оцифрованные пространственные произведения в прямом эфире через 176 динамиков.
Хорошо известным примером использования полноразмерного модульного синтезатора Moog является альбом Switched-On Bach Венди Карлоса, который вызвал увлечение синтезаторной музыкой. Наряду с модульным синтезатором Moog, другие марки этого периода включали ARP и Buchla.
Пьетро Гросси был итальянским пионером компьютерной композиции и магнитофонной музыки, который впервые экспериментировал с электронными методами в начале шестидесятых. Гросси был виолончелистом и композитором, родившимся в Венеции в 1917 году. Он основал S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) в 1963 году, чтобы экспериментировать с электронным звуком и композицией.

Компьютерная Музыка

Музыкальные мелодии были впервые созданы компьютером CSIRAC в Австралии в 1950 году. В газетах из Америки и Англии появились сообщения о том, что компьютеры могли воспроизводить музыку и раньше, но тщательное исследование опровергло эту информацию, поскольку нет никаких доказательств в поддержку этим газетным сообщениям. Исследования показали, что люди рассуждали о том, что компьютеры играют музыку, возможно потому, что компьютеры издают шум, но нет никаких доказательств, что они действительно это делали.
Первым в мире компьютером для воспроизведения музыки был CSIRAC, который был спроектирован и построен Тревором Пирси и Мастоном Борода в 1950-х годах. Математик Джефф Хилл запрограммировал CSIRAC на исполнение популярных музыкальных мелодий с самого начала 1950-х годов. В 1951 году он публично сыграл "Марш полковника Богги", о котором не известно никаких записей. Тем не менее, CSIRAC играл стандартный репертуар и не использовался для расширения музыкального мышления или практики композиции, которая в настоящее время является практикой компьютерной музыки.
Первой музыкой, которая была исполнена в Англии, было исполнение Британского национального гимна, который был запрограммирован Кристофером Стрейчи на Ферранти Марк I в конце 1951 года. Позже в том же году короткие отрывки из трех пьес были записаны там внешним вещательным блоком Би-би-си: "Ba, Ba Black Sheep" и "In the Mood", и это признано самой ранней записью компьютера для воспроизведения музыки. Эту запись можно услышать на сайте Манчестерского университета. Исследователи из Университета Кентербери в Крайстчерче отклонили и восстановили эту запись в 2016 году, и результаты могут быть услышаны на SoundCloud.
Лори Шпигель также известна своей разработкой «Music Mouse - интеллектуального инструмента» (1986) для компьютеров Macintosh, Amiga и Atari. Название интеллектуального инструмента относится к встроенным знаниям программы о соответствии аккордов и гамм, и стилевых ограничениях. Она продолжала обновлять программу через Macintosh OS 9, и по состоянию на 2012 год она оставалась доступной для покупки или демо- загрузки с ее веб- сайта.
В конце 1950-х , 1960-х и 1970-х годов также наблюдалось развитие большого мейнфреймового компьютерного синтеза. Н ачиная с 1 957 года , Макс Мэтьюз из Bell Labs разработал музыкальные программы, кульминацией которых стала MUSIC V - прямой язык цифрового синтеза.

Живая Электронная Музыка

Живая электроника (или электроакустическая импровизация) - это форма экспериментальной импровизированной музыки, которая развивалась в ответ на жесткость звуковой композиции для фиксированных носителей, таких как musique concrète, ранняя студийная электронная музыка и компьютерная музыка. Музыкальная импровизация часто играет большую роль в исполнении этой музыки.
В Европе в 1964 году Карлхайнц Штокхаузен написал "Mikrophonie I" для tam-tam, ручные микрофоны, фильтры и потенциометры, а также Mixtur для оркестра, четыре генератора синусоидальных волн и четыре кольцевых модулятора. В 1965 году он написал "Mikrophonie II" для хора, органа Хаммонда и кольцевых модуляторов.
В 1966-67 годах Рид Газала открыл и начал преподавать "circuit bending (изгиб цепи)" - применение творческого короткого замыкания, процесс случайного короткого замыкания, создание экспериментальных электронных инструментов, исследование звуковых элементов в основном тембра и с меньшим вниманием к высоте тона или ритму, а также под влиянием концепции алеаторической музыки Джона Кейджа.

Японские Инструменты

В 1950-х годах японские электронные музыкальные инструменты начали оказывать влияние на международную музыкальную индустрию. Икутаро Какехаси, который основал Ace Tone в 1960 году, разработал свою собственную версию электронной перкуссии, которая уже была популярна на зарубежном электронном органе. На NAMM 1964 он показал его как R-1 Rhythm Ace, ручное ударное устройство, которое воспроизводило электронные звуки барабана вручную, когда пользователь нажимал кнопки, аналогично современным электронным барабанам.
В 1963 году компания Korg выпустила электромеханическую драм-машину Donca-Matic DA-20. В 1965 году компания Nippon Columbia запатентовала полностью электронную драм-машину. Korg выпустила электронную драм-машину Donca-Matic DC-11 в 1966 году, за которой они последовали с Korg Mini Pops, который был разработан в качестве опции для электрического органа Yamaha Electone. Серия Korg Stageman и Mini Pops была примечательна естественными металлическими ударными звуками и включала элементы управления для барабанных перерывов и заливок.
В 1967 году основатель Ace Tone Икутаро Какехаси (Ikutaro Kakehashi) запатентовал генератор заданных ритм-паттернов с использованием схемы диодной матрицы, аналогичной предыдущему патенту США Seeburg, поданному в 1964 году, который он выпустил в том же году как ритм FR-1. Он предлагал 16 предустановленных шаблонов и четыре кнопки для ручного воспроизведения звука каждого инструмента (тарелка, клавесин, колокольчик и бас-барабан). Ритмические паттерны также можно было каскадировать вместе, нажимая несколько кнопок ритма одновременно, и возможная комбинация ритмических паттернов была больше сотни. Ритм-драм-машины Ace Tone нашли свой путь в популярную музыку с конца 1960-х годов, а затем драм-машины Korg в 1970-х годах. Позже Какехаши покинул Ace Tone и основал корпорацию Roland в 1972 году, причем синтезаторы Roland и драм-машины стали очень влиятельными в течение следующих нескольких десятилетий. Эта компания будет продолжать оказывать большое влияние на популярную музыку и делать больше для формирования популярной электронной музыки, чем любая другая компания.
Turntablism берет свое начало с изобретением вертушек с прямым приводом. Ранние вертушки с ременным приводом были непригодны для вертушки, так как у них было медленное время запуска, и они были склонны к износу и поломке, так как ремень сломался бы от обратного штопора или царапины. Первый поворотный стол (вертушка) с прямым приводом был изобретен Шуити Обата, инженером компании Matsushita (Panasonic), базирующейся в Осаке, Япония. Он устранил ремни и вместо этого использовал двигатель, чтобы непосредственно управлять тарелкой, на которой покоится Виниловая пластинка. В 1969 году Matsushita выпустила его как SP-10, первый поворотный стол с прямым приводом на рынке, и первый в своей влиятельной серии вертушек Technics. В начале 1970-х годов его сменила техника SL-1100 и SL-1200, и они были широко приняты хип-хоп музыкантами, а SL-1200 оставался наиболее широко используемым поворотным столом в диджейской культуре в течение нескольких десятилетий.

Ямайская Даб-Музыка

На Ямайке в 1960-х годах появилась популярная электронная музыка - даб-музыка, укоренившаяся в культуре звуковых систем. Даб-музыка была впервые создана студийными инженерами, такими как Sylvan Morris, King Tubby, Errol Thompson, Lee "Scratch" Perry и ученый, производящий экспериментальную музыку под влиянием регги с использованием электронных звуковых технологий в студиях звукозаписи и на вечеринках звуковых систем. Их эксперименты включали формы магнитофонной композиции, сопоставимые с аспектами musique concrete, акцент на повторяющихся ритмических структурах (часто лишенных своих гармонических элементов), сравнимых с минимализмом, электронную манипуляцию пространственностью, звуковую электронную манипуляцию предварительно записанными музыкальными материалами из средств массовой информации, диджеев поджаривающих предварительно записанную музыку, сравнимую с живой электронной музыкой, ремиксинг музыки, вертушки, микширование и царапание винила.
Несмотря на ограниченное электронное оборудование, доступное для пионеров даба, таких как Кинг Табби и Ли "Скрэтч" Перри, их эксперименты в культуре ремиксов были музыкально передовыми. Кинг Табби, например, был владельцем звуковой системы и техником-электронщиком, чья небольшая студия в трущебах Уотерхаус в западном Кингстоне была ключевым местом создания даб-музыки.

Конец 1960-х - начало 1980-х годов

Расцвет Популярной Электронной Музыки

В конце 1960-х годов поп-и рок-музыканты, включая The Beach Boys и The Beatles, начали использовать электронные инструменты, такие как терменвокс и меллотрон, чтобы дополнить и определить их звучание. В своей книге "Электронная и экспериментальная музыка" Том Холмс признает запись группы Битлз 1966 года "Tomorrow Never Knows" как песню, которая «открыла новую эру в использовании электронной музыки в рок и поп-музыке благодаря включению группы ленточных петель и перевернутые изменяющие скорость звука ленты. К концу десятилетия синтезатор Moog занял ведущее место в звучании развивающегося прогрессивного рока с такими группами, как Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer и Genesis, сделав их частью своего саунда. "Popcorn" Гершона Кингсли (Gershon Kingsley) был первым международным электронным танцевальным хитом в 1969 году. Инструментальный прог-рок был особенно заметен в континентальной Европе, что позволило таким группам, как Kraftwerk, Tangerine Dream, Can и Faust обойти языковой барьер. Их тяжелый синтезаторный "krautrock", наряду с работой Брайана Ино (какое-то время клавишник с Roxy Music), окажет большое влияние на последующий электронный рок.
Ambient dub был впервые внедрен Кингом Табби и другими ямайскими звукорежиссерами, использующими эмбиентную электронику, вдохновленную ди-джеем, дополненную отсевами, эхом, эквалайзером и психоделическими электронными эффектами. В нем были использованы методы наложения и элементы мировой музыки, глубоких басов и гармонических звуков. Также использовались такие методы, как длительная задержка "эха". Другие известные исполнители в этом жанре включают Dreadzone, Higher Intelligence Agency, The Orb, Ott, Loop Guru, Woob и Transglobal Underground.
Электронный рок был также продюсирован несколькими японскими музыкантами, в том числе "Electric Samurai: Switched on Rock" (1972) Исао Томиты, в котором были представлены исполнения синтезатора Moog современных поп и рок-песен и альбом прогрессивного рока Осаму Китадзима Benzaiten (1974). В середине 1970-х годов начался расцвет электронной художественной музыки, такие музыканты, как Жан Мишель Жарре (Jean Michel Jarre), Вангелис (Vangelis), Томита (Tomita) и Клаус Шульце (Klaus Schulze), оказали значительное влияние на развитие музыки нового времени.
Музыка Dub повлияла на электронные музыкальные методы, которые впоследствии были приняты хип-хоп музыкой, когда ямайский ди-джей иммигрант Kool Herc в начале 1970-х представил культуру звуковой системы Ямайки и методы даб-музыки в Америке. Одним из таких приемов, который стал популярным в хип-хоп культуре, было воспроизведение двух копий одной и той же пластинки на двух вертушках поочередно, расширяя любимую секцию b-dancers. В конце концов проигрыватель стал самым заметным электронным музыкальным инструментом, и даже самым виртуозным, в 1980-х и 1990-х годах.
После появления панк-рока появилась форма базового электронного рока, все чаще использующая новые цифровые технологии для замены других инструментов. Новаторские группы включали Ultravox с их треком "Hiroshima Mon Amour" 1977 года на Ha! Ha! Ha!, Гари Нуман, Depeche Mode и The Human League. Yellow Magic Orchestra, в частности, помогла пионерам синти-попа с их одноименным альбомом (1978) и Solid State Survivor (1979). Определение MIDI и развитие цифрового аудио значительно упростили разработку чисто электронных звуков. Эти события привели к росту synth-pop, который после того, как он был принят движением New Romantic, позволил синтезаторам доминировать в поп и рок-музыке начала 80-х. Ключевыми актами были: Duran Duran, Depeche Mode, Spandau Ballet, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk, Japan и Eurythmics. Синти-поп иногда использовал синтезаторы, чтобы заменить все другие инструменты, пока стиль не начал падать от популярности в середине 1980-х годов.

Клавишные Синтезаторы

Выпущенный в 1970 году Moog Music, Mini-Moog был одним из первых широко доступных, портативных и относительно доступных синтезаторов. Когда-то он стал наиболее широко используемым синтезатором в популярной и электронной художественной музыке. Патрик Глисон, играющий вживую с Херби Хэнкоком в начале 1970-х годов, впервые использовал синтезаторы в гастрольном контексте, где они подвергались напряжению, для которых ранние машины не были предназначены.
В 1974 году Кельнская студия WDR приобрела синтезатор EMS Synthi 100, который многие композиторы использовали для создания известных электронных произведений, в том числе "Funf deutsche Tanze" Рольфа Гелхаара (1975), "Sirius" Карлхайнца Штокхаузена (1975-76) и "Pulse Music III" Джона Макгуайра (1978).

Цифровой синтез

В 1975 году японская компания Yamaha лицензировала алгоритмы синтеза частотной модуляции (FM synthesis) у Джона Чаунинга, который экспериментировал с ними в Стэнфордском университете с 1971 года. Инженеры Yamaha начали адаптировать алгоритм Чаунинга для использования в цифровом синтезаторе, добавив такие усовершенствования, как метод "ключевого масштабирования", чтобы избежать введения искажений, которые обычно происходят в аналоговых системах во время частотной модуляции. Однако первым коммерческим цифровым синтезатором, который будет выпущен в 1979 году, станет австралийская компания Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), как первый практический полифонический цифровой синтезатор/сэмплер.
В 1980 году Yamaha выпустила первый цифровой FM-синтезатор Yamaha GS-1, но по дорогой цене. В 1983 году Yamaha представила первый автономный цифровой синтезатор, DX7, который также использовал синтез FM и стал одним из самых продаваемых синтезаторов всех времен. DX7 был известен своими узнаваемыми яркими тональностями, что отчасти объяснялось чрезмерной частотой дискретизации 57 кГц.

IRCAM, STEIM и Elektronmusikstudion

IRCAM в Париже стал крупным центром исследований компьютерной музыки, а также реализации и развития компьютерной системы Sogitec 4X, отличающейся тогда революционной цифровой обработкой сигналов в реальном времени. Репоны Пьера Булеза (1981) для 24 музыкантов и 6 солистов использовали Sogitec 4X, чтобы преобразовать и направить солистов в акустическую систему.
STEIM - это центр исследований и разработок новых музыкальных инструментов в области электронного исполнительского искусства, расположенный в Амстердаме, Нидерланды. STEIM существует с 1969 года, его основателями были Миша Менгельберг, Луи Андриссен, Питер Шат, Дик Раймейкерс, Ян ван Влеймен, Рейнберт де Леув и Конрад Бемер. Эта группа голландских композиторов боролась за реформирование амстердамских феодальных музыкальных структур; они настаивали на назначении Бруно Мадерны музыкальным руководителем оркестра Concertgebouw и обеспечили первые государственные средства для экспериментальной и импровизированной электронной музыки в Нидерландах.
Elektronmusikstudion (EMS), ранее известная как электроакустическая музыка в Швеции, является шведским национальным центром электронной музыки и звукового искусства. Исследовательская организация была основана в 1964 году и базируется в Стокгольме.

Зарождение MIDI

В 1980 году группа музыкантов и музыкальных торговцев собралась, чтобы стандартизировать интерфейс, чтобы новые инструменты могли бы использовать для передачи команд управления с другими инструментами и компьютерами. Этот стандарт был назван цифровым интерфейсом музыкальных инструментов (MIDI) и стал результатом сотрудничества между ведущими производителями, первоначально Sequential Circuits, Oberheim, Roland, а затем другими участниками, среди которых были Yamaha, Korg и Kawai.
Технология MIDI позволяет одним нажатием клавиши, движением колесика управления, движением педали или командой от микрокомпьютера активировать каждое устройство в студии удаленно и синхронно, причем каждое устройство реагирует в соответствии с условиями, заданными композитором.
MIDI инструменты и программное обеспечение сделали мощное управление сложными инструментами легко доступным для многих студий и частных лиц. Акустические звуки стали реинтегрироваться в студиях с помощью сэмплирования и сэмплированных ROM-инструментов.
Миллер Пакетт разработал программное обеспечение для обработки графических сигналов для 4X под названием Max (после Max Mathews), а затем портировал его на Macintosh (с Дэйвом Зикарелли, расширяющим его для кода операции) для управления MIDI в реальном времени, обеспечив доступность алгоритмической композиции для большинства композиторов со скромным компьютерным программированием.

Секвенсоры и Драм-машины

В начале 1980-х годов начался подъем басовых синтезаторов, наиболее влиятельным из которых был Roland TB-303, басовый синтезатор и секвенсор, выпущенный в конце 1981 года, который позже стал неотъемлемой частью электронной танцевальной музыки, особенно acid house. Одним из первых, кто использовал его, был Чаранджит Сингх в 1982 году, хотя он не был популяризирован до появления Phuture's "Acid Tracks" в 1987 году. Музыкальные секвенсоры начали использоваться примерно в середине 20-го века, а альбомы Томиты в середине 1970-х годов стали более поздними примерами. В 1978 году Yellow Magic Orchestra использовали компьютерную технологию в сочетании с синтезатором для производства популярной музыки, впервые применив микропроцессорный секвенсор Roland MC-8.
Драм-машины, также известные как ритм-машины, начали использоваться примерно в конце 1950-х годов, а более поздним примером стал прогрессивный рок-альбом Осаму Китадзимы - Benzaiten (1974), в котором использовалась ритм-машина наряду с электронными барабанами и синтезатором. В 1977 году Ultravox "Hiroshima Mon Amour" был одним из первых синглов, использовавших метрономную ударную установку ударной машины Roland TR-77. В 1980 году корпорация Roland выпустила TR-808, одну из первых и самых популярных программируемых драм- машин. Первой группой, использовавшей его, был Yellow Magic Orchestra в 1980 году , а позже он получил широкую популярность с выходом "Sexual Healing" Марвина Гая и "Planet Rock" Африки Бамбаатаа в 1982 году. TR-808 был фундаментальным инструментом на позднейшей техно-сцене Детройта в конце 1980-х годов и был предпочтительной драм-машиной для Деррика Мея и Хуана Аткинса.

Chiptunes или Музыка для Видеоигр

Chiptune, также известный как chip music - это стиль синтезированной электронной музыки, выполненной с использованием звуковых чипов программируемого звукового генератора (PSG) или синтезаторов в старинных аркадных машинах, компьютерах и игровых приставках.
Характерный lo-fi звук чиповой музыки изначально был результатом технических ограничений ранних звуковых карт; однако с тех пор звук стал востребованным сам по себе.

Конец 1980-х и 1990-е годы

Подъем Танцевальной Музыки

Эта тенденция продолжается и по сей день, современные ночные клубы по всему миру регулярно играют электронную танцевальную музыку (EDM). Сегодня электронная танцевальная музыка имеет радиостанции, веб-сайты и публикации, такие как Mixmag, посвященные исключительно этому жанру. Кроме того , этот жанр обрел коммерческое и культурное значение в Соединенных Штатах и Северной Америке благодаря дико популярному звуку big room house / EDM, который был включен в американскую поп-музыку, а также появлению крупномасштабных коммерческих рейвов, таких как Electric Daisy Carnival, Tomorrowland (фестиваль) и Ultra Music Festival.

Достижения

Другие недавние разработки включали композицию Tod Machover (MIT и IRCAM) "Begin Again Again" для "hypercello" - интерактивной системы датчиков, измеряющих физические движения виолончелиста. Макс Мэтьюз разработал программу "Conductor" для управления темпом, динамикой и тембром в режиме реального времени электронного ввода партитуры. Мортон Суботник выпустил мультимедийный компакт-диск "All My Hummingbirds Have Alibis".

С начала 2000-х по 2010-й годы

Поскольку компьютерные технологии стали более доступными и музыкальное программное обеспечение продвинулось вперед, взаимодействие с технологией производства музыки теперь возможно с использованием средств, которые не имеют никакого отношения к традиционным музыкальным исполнительским практикам: например, производительность ноутбука (laptronica), живое кодирование и Algorave. В общем, термин Live PA относится к любому живому исполнению электронной музыки, будь то с помощью ноутбуков, синтезаторов или других устройств.
В последнее десятилетие появилось несколько программных виртуальных студийных сред, а такие продукты, как Propellerhead'S Reason и Ableton Live, обрели популярность. Такие инструменты обеспечивают жизнеспособные и экономически эффективные альтернативы типичным аппаратным производственным студиям, а благодаря достижениям в области микропроцессорной техники теперь можно создавать высококачественную музыку, используя не более одного портативного компьютера. Такие достижения привели к демократизации музыкального творчества,что привело к массовому увеличению количества домашней электронной музыки, доступной широкой публике через интернет. Программные инструменты и модули эффектов (так называемые "плагины") могут быть включены в компьютерную студию с использованием платформы VST. Некоторые из этих инструментов являются более или менее точными копиями существующего оборудования (например, Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 или Korg M1). Во многих случаях эти программные инструменты акустически неотличимы от своих физических аналогов.

Изгиб Цепи

Изгиб цепи - это творческая настройка цепей в электронных устройствах, таких как низковольтные, батарейные гитарные эффекты, детские игрушки и небольшие цифровые синтезаторы для создания новых музыкальных или визуальных инструментов и звуковых генераторов. Подчеркивая спонтанность и случайность, техники изгиба контуров обычно ассоциировались с шумовой музыкой, хотя многие более традиционные современные музыканты и музыкальные группы, как известно, экспериментировали с "изогнутыми" инструментами. Гибка цепи обычно включает в себя демонтаж машины и добавление таких компонентов, как переключатели и потенциометры, которые изменяют цепь. С возрожденным интересом к аналоговым синтезаторам изгиб цепей стал дешевым решением для многих музыкантов-экспериментаторов по созданию собственных индивидуальных аналоговых звуковых генераторов. В настоящее время можно найти много схем для создания звуковых генераторов, таких как Atari Punk Console или Dub Siren, а также простые модификации для детских игрушек, такие как знаменитые Speak & Spells, которые часто модифицируются сгибателями цепи. Рид Газала исследовал изгиб цепи с помощью игрушки Speak & Spell, а также провел обучение и семинары по изгибу цепи.

Модульное Возрождение Синтезатора

Следуя культуре сгибания цепи, музыканты также начали создавать свои собственные модульные синтезаторы, вызывая новый интерес к проектам начала 1960-х. Eurorack стал популярной системой.

Перевод: AS; Фото: by Yandex; Источник: en.wikipedia.org/wiki/Electronic_music